The Godfather cambió el cine

La era de la “Nouvelle vague” de directores de Hollywood a finales de los 50’s y década de los 60’s logró un proceso de evolución en el mundo de cineastas. Mezclando influencias de Alfred Hitchcock, el cine parisino, el Neo-realismo italiano y toques de existencialismo en sus filmes, se creó el movimiento del New Wave de Francia: rechazando la necesidad de un ídolo o icono, resaltar temas sociales que no se estaban tocando en la época y una insaciable necesidad de destruir la manera clásica de grabar un filme.

Con figuras prominentes como Jean Luc-Godard y François Truffaut, el género del Hollywood classic cinema fue poco a poco disecado, ya que la nueva generación que vio a estos europeos crear obras tan distantes a la norma y escritores con una temática que retaban al público, empezaron a infiltrar el panorama artístico al finales de los 60’s, comenzando así, una época gloriosa en el cine.

Con la caída de la figura autoritaria de los estudios y la competencia de la televisión, la figura del director fue prominente en el éxito de la época conocida como el “New Hollywood”. Todas estas influencias desde el French New Wave, el cine experimental, la llegada del Cine Japonés y el estilo italiano, dieron nacimiento al este movimiento, tratando de desviarse de lo clásico y convencional, y con el lanzamiento del mítico filme “Bonnie and Clyde” en el 1967, era casi imposible de detener el impacto de este estilo de cine.

Liderado por figuras como Woody Allen (Annie Hall), Wes Craven (Nightmare on Elm Street, creador de Freddy Kruger), Clint Eastwood (Dirty Harry), David Lynch (The Elephant Man) , Brian De Palma (Scarface), Michael Mann (Thief), Roman Polanski (Rosemary’s Baby), George A. Romero (Night of the Living Dead), Ridley Scott (Blade Runner, Alien), Steven Spielberg (Jaws, E.T: the Extra-Terrestrial), Stanley Kubrick (A Clockwork Orange, 2001: a Space Odyssey), George Lucas (Star Wars) y Martin Scorsese (Taxi Driver, Raging Bull), el New Hollywood fue una época de revolución artística en el cine pero una figura resaltó sobre todas estas:

Francis Ford Coppola.

Y, ¿qué obra de Francis Ford ayudó a cementar su legado como un titán del cine y abrió las puertas para la dinastía familiar de los Coppola?

Simple y sencillo: la mejor película de todos los tiempos.

La Familia de Don Vito

THE GODFATHER, Abe Vigoda, Richard S. Castellano, John Cazale, Marlon Brando, Robert Duvall, James C

En el 1972, The Godfather pasó de ser un reto a la industria a ser la estampa de excelencia. Corriendo 3 horas de tiempo, fue una película que cambió por completo la manera en la que se dirige, se crea, se escribe y se actúa en una película. 

Mostrando la historia de Don Vito Corleone, The Godfather es una adaptación de la novela de Mario Puzo la cual cuenta la historia del proceso de sucesión del puesto de patriarca de una familia de la mafia italiana en los 40’s.

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Francis Ford Coppola junto a Marlon Brando y un joven Al Pacino.

Buscando los talentos para crear esta atmósfera épica-dramatica claramente es una misión pero con un buen ojo y fe en el producto, el equipo pudo lograr un elenco de ensueño. Para el papel del patriarca mayor, Mario Puzo mandó una carta personal a Marlon Brando donde le dejo saber que él era la única opción que deseaba para el papel de Don Vito. Aunque el estudio no estaba muy afondo de que eligieran a Marlon Brando para el papel principal ya que consideraban que era un actor acabado y no era útil en la época, Coppola y Brando llegaron a un acuerdo y cuando el estudio vio las grabaciones de prueba con Brando y su maquillaje protésico de Vito, no hubo vuelta atrás. 

Robert Duvall tomó el rol del hijo adoptivo de Vito (Tom Hagen), el cantante Al Martino asumió el papel de Johnny Fontane, una joven Diane Keaton fue seleccionada como Kay Adams, Johnny Cazale y James Caan con los personajes de Sonny y Fredo Corleone, la hermana, el Papá y la hija de Francis, Talia Shire, Carmine y Sofia Coppola tuvieron roles de Connie Corleone, Michael Rizzi y un extra de pianista, y a todas estas, el papel más importante todavía no tenia dueño. 

Mientras el estudio quería a Dustin Hoffman o Martin Sheen para el papel de Michael, Francis Ford vio a un actor pequeño de estatura con una cara de alguien que era el híbrido que andaba buscando. Un hombre que pareciera americano-italiano que pueda caminar con la misma confianza en New York y en Sicilia. Francis Coppola vio a Al Pacino.

El director, el elenco estelar y hasta el compositor de la música siendo Nino Rota parecía que habían llegado a la perfección pero toda película depende del cinematógrafo/a y su expertise y Gordon Willis creó la atmósfera perfecta en The Godfather, a nivel que influyó al mundo del cine hasta el día de hoy.

Cinematografía contando historias

Jugando con la cantidad de luz y el contraste entre luz y sombras en las escenas de la película, Gordon Willis fue clave en la ejecución de la historia de cada personaje. La manera en la que se contrastó la luz y la sombra fue una manera de representar la dualidad y conflicto entre el bien y el mal en el mundo de los Corleone.

Los personajes mayormente fueron iluminados con “hard light” a los lados, dejando en sombra la otra mitad de la cara, símbolo de la virtud real del ser humano, que todo ser humano no importa lo bueno o malo que sea, esconde una verdad que no ha sido descubierta al ojo publico, como un tesoro protegido por un mar de mentiras. 

Obviamente, la oscuridad ha sido puesta aprueba desde mucho antes en películas. Ejemplos del “Film Noir” clásico y el cine expresionista alemán pero eran películas regularmente en blanco y negro so el efecto era nato. Gordon Willis trajo este efecto al cine a color, mucho más difícil de notar pero al notarlo, el que ve el filme siente la repercusión de estas técnicas. Paramount Pictures entraron en pánico cuando vieron lo oscura que era la película ya que iba ser difícil verla bien en los cines “drive in” y el contraste que creaba con las demás películas a color de la época, la cuales eran altamente iluminadas en su naturaleza.

Willis menciona que su inspiración para esta película y la oscuridad de su iluminación viene del mismo espíritu del filme, una película sobre la muerte del espíritu humano y la oscuridad dentro de ella.

Un perfecto ejemplo es en la escena que abre la película. Esto es casi de película de misterio: abre con una toma cercana poco iluminada, con sombra en los ojos y alrededor de su cara, a nivel que hasta forma la silueta de una “rata”, palabra símbolo en la mafia del traidor aquel con las manos sucias. Poco a poco alejándose el zoom de la toma, terminamos en una perspectiva por encima del hombro de Don Vito Corleone, una toma que nos deja saber que Don Corleone está en poder y quien este sentado en esa silla simplemente se rinde ante su presencia.

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Bonasera en la primera escena de The Godfather, creando en su cara la figura de un a rata con la iluminación de Willis.

Gracias al maquillaje de Brando, Willis se obligó a iluminar a Brando desde arriba, proveyendo en ocasiones poca luz, creando su eterna sombra en los ojos, dando por siempre la impresión de que uno nunca sabe que esta pasando por su mente, de lo que es capaz de hacer. 

Michael Corleone empieza la película mayormente iluminado pero en el transcurso de su transformación, empezando en su primera aparición como soldado inocente y distante a la familia y terminando con la sombra dentro de sus ojos y la mitad de su cara levemente oscura, señalando que Michael se ha convertido en el nuevo “Padrino”.

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Tom Hagen siempre es mostrado mitad oscuro ya que simboliza su personaje: es un Corleone pero no es italiano porque es adoptado, no es un criminal completo porque trabaja como un abogado decente con la ley y la cara del hermano loco de la familia, Sonny Corleone, siempre es mostrada a color y brillante, ya que siempre trabaja en las afuera y no tanto adentro en el bajo mundo y su personalidad explosiva combinada con la exposición lumínica señala que él nunca será elegido como el Padrino.

La esposa de Michael, Kay Adams, es iluminada con sobre exposición de luz, mostrando en metáfora su inocencia y desconocimiento del mundo que la rodea y de las acciones macabras que ha cometido Michael. Pero todo culmina en sus ultimas apariciones cuando Kay se va dando cuenta de quien Michael se convertido y la oscuridad de las sombras empiezan a formarse en su cara. Una destrucción de su inocencia.

En un juego de apariencias y verdad, la primera escena comienza con una boda familiar de la hija de Vito, dandole a la sociedad la ilusión que esto es solo una familia italiana de negociantes pero en los adentros, en las oficinas, las atrocidades son cometidas y la manipulación de personas son mostradas. Las sombras y la poca luz corren libre en estos escenarios.

Mi tecnica favorita de la manera en que se filmó The Godfather es que cada toma es larga y abierta, lo que le da un toque de que cada toma puede ser un cuadro artístico en algún museo, gracias al juego de Coppola y Willis del chiaroscuro, haciendo ciertas escenas parecer pinturas de los grandes como Da Vinci, los contrastes de Rembrandt y el terror de Caravaggio.

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La muerte de Luca Brasi tenebrosamente similar a la famosa pintura de Caravaggio, “giuditta e oloferne”

La iluminación era tan exacta que en ciertas escenas, actores se ven oscuros completo ya que la posición de la luz era certera en las tomas dirigidas. 

Lo que puede ser lo más importante sobre la dirección de esta película fue la necesidad de que cada toma parezca desde el punto de vista del personaje, con una que otra excepción necesaria como la primera escena o la toma desde el cielo en la escena del tiroteo de Vito, lo que da la percepción estilo Orson Wells: el “All seeing Eye”, la perspectiva de Dios.

La creación de esta película claramente es un milagro pero no sería lo mitológica que es sin señalar lo importante que fue la actuación de Al Pacino.

“Esa es mi familia, no soy yo.”

Asi termina la primera conversación que vemos de Michael con su futura esposa, Kay Adams. La transformación de Michael debe ser considerado el mejor arco de un personaje en la historia del cine.

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Empezando como un héroe de guerra, calmado y hasta estoico, Michael empieza a cambiar cuando lee en el periódico que atentaron con la vida de su padre. Ahí empieza el nacimiento del nuevo padrino. La siempre iluminada cara de Pacino vio por primera vez sombra en esa escena del hospital, en la cual salvó a Vito de su muerte.

Luego de varios encontronazos con la policía y cometiendo su primer asesinato como miembro de la familia Corleone, Michael viaja a Sicilia como refugio. Aquí, Michael es iluminado completo, dandole una ilusión de calma y fantasía. Todo parece perfecto hasta que ve a su primera esposa morir en un “car bomb”.

Cuando Michael toma la responsabilidad de su familia, se casa con Kay, tienen hijos y Vito convence a las 5 familias que el tratado de heroína sigue en pie. Todo se vuelve más oscuro en la vida de Michael cuando le notifican que Fredo, su hermano, ha traicionado la familia por los intereses de Greene en Las Vegas.

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La oscuridad que toma el personaje de Michael Corleone en los momentos culminantes del filme.

Lo que puede ser considerado el punto emocional más grande de la pelicula resulta ser el punto culminante de ella. Luego de vengarse de la muerte de Sonny usando a Clemenza para asesinar a Rizzi, Kay confronta a Michael sobre el asesinato de Rizzi lo cual él niega, y justo cuando lo niega, el mundo entero de Kay y Michael cae:

Los capos de la familia llegan a la oficina de Michael y se le refieren como “DON CORLEONE“, revelando la nueva identidad de Michael a Kay,  quien termina la escena viendo la puerta de su propio cuarto ser cerrada en su cara de decepción.

La Mejor Película de Todos Los Tiempos

El legado de esta creación se ve en las obras modernas que se llevan al mundo presente. Desde series como Mr. Robot y House of Cards hasta películas como No Country for Old Men y Dark Knight, vemos como las técnicas de tomas e iluminación siguen siendo la métrica de excelencia para lograr la atmósfera adecuada.

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Escena de Mr. Robot season 1, claramente mostrando técnicas similares de tomas e iluminación para contar la historia del personaje de Elliot.

The Godfather terminó siendo una trilogía, a lo mejor la mejor trilogía de todos los tiempos. Dando a nacer los talentos a nivel mundial de actores como Diane Keaton, Al Pacino, Robert Duvall, Robert De Niro hasta Andy García, la Dinastía Coppola creó una estampa del cine americano. Con una trilogía de excelencia, reescribieron  las reglas de los convencional en el cine, demostraron a Hollywood que el arte nace de tomar métodos alternos y a veces las mejores actuaciones vienen de las personas que menos esperas. 

Increíble pensarlo: en una época donde las figuras controversiales de Woody Allen y Roman Polanksi, los artistas que re-definieron la ficción y la realidad como Ridley Scott, George Lucas y Spielberg, y figuras mitológicas del cine como Kubrick y Scorsese, el nombre Francis Ford Coppola sea el más celebrado de esta generación. Regalándole al mundo 2 de 3 películas del Padrino en los 70’s, Francis Coppola le demostró al mundo entero que una historia bien contada vale más que muchos efectos y actores valorados.

Que buen dominio de los fundamentos de cinematografía y de construcción de drama sobrepasan cualquier “blockbuster” que Hollywood quiera vender.

A los “Studios” que a veces es mejor confiar en esos actores que parecen que no te van a dar el producto que deseas (Marlon Brando, Al Pacino) por que el director tiene la fe de su historia en sus hombros.

Y sobre todo, nos enseño a todos los que hayamos visto “The Godfather” que debemos confiar en nuestro grandes artistas aunque fallen frente a nosotros, a analizar hasta nuestro familiar y amigo más amado por que todos escondemos un lado de nosotros en cual la luz entra solo si le damos permiso, que debemos aceptar la dualidad del ser humano y nuestra capacidad de enfrentar las circunstancias que la vida nos muestra y por ultimo, siempre hacerle caso al Padrino: 

El Padrino siempre nos da una oferta que no podemos rechazar.

 

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