Drive: Destruyendo a Hollywood

El convencionalismo es difícil de derrocar, especialmente en industrias como el cinema, donde lo convencional se vuelve el estándar. Siempre existe la necesidad de una obra que venga a romper con lo convencional y lo regular, y cause un efecto dominó en todos los creadores. Pero, ¿Cómo se rompe esta cadena de cotidianidad en la industria?

La respuesta es que no se puede. La fuerza que viene de la mayoría es demasiado fuerte para contenerse. Pero si pueden haber ciertas obras que sirven como “glitches” en el macro-sistema y se vean como una protesta contra la producción de las masas.

Drive es una de ellas.

En una época donde el género de acción en Hollywood se convirtió en una sobredosis de explosiones innecesarias, historias predecibles, actores genéricos, temp music en la mayoría del filme y hasta las mismas tomas en las escenas, Drive se convierte en un enigma, que a 7 años de su lanzamiento, todavía tiene al mundo de cineastas analizándola y tratando de igualar su arte.

Explicar Drive es un poco difícil:

Es una película de acción, que no es una película de acción por que es un neo-noir, que no es un neo-noir por que es un character study, que no es un character study por que es una película romántica, que no es romántica por que es un thriller, que no es un thriller por que es una película de horror.

Lo sé. Hasta yo me confundí. Pero la conclusión es clara: Drive todos los géneros mencionados a la vez, creando una película sin identidad que destruye la identidad de lo genérico. Empecemos por:

Acción:

El personaje principal de la película es simplemente conocido como Driver, interpretado por Ryan Gosling. Es un personaje, que desde el principio de la película, te demuestra que vive una doble personalidad. Por un lado, su vida escondida es ser un conductor para trabajo de mafiosos, dejándolo claro en su primera conversación de la primera escena:

“There’s a hundred-thousand streets in this city. You don’t need to know the route. You give me a time and a place, I give you a five minute window. Anything happens in that five minutes and I’m yours. No matter what. Anything happens a minute either side of that and you’re on your own. Do you understand?”
– Driver

En su vida fuera de este trabajo clandestino, Driver es un stunt driver para películas de Hollywood, usando una mascara protéstica, demostrándole a la audiencia que la triste realidad de sus actores favoritos, de que las maniobras peligrosas que se ven en el cine, la mayoría son hechos por dobles acrobáticos mientras las estrellas cogen el crédito.

La acción de Drive a veces ni se considera acción. No una explosión masiva, no hay un tiroteo caótico; son escenas que se construyen pedazo a pedazo, diálogo a diálogo, creando más una revelación de la decisión del personaje que una simple escena de alta adrenalina. ¿Perfecto ejemplo? la escena del strip club.

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El director pudo hacer algo genérico, como el movimiento repentino de la cámara para crear la ilusión de acción y agresión, pudo haber muerto alguien innecesariamente pero no; nadie muere. Pero lo que pasa es una de las escenas de acción memorables del filme, donde con un par de tomas a la cara de dos personajes durante el diálogo, una toma de lejos para recopilar completamente el panorama del escenario, cambiar la pistola o arma violenta por un simple martillo y lo que hace con él en mano, crea el ambiente perfecto de suspenso, sube la adrenalina con la acción y al igual que las bailarinas del cuarto, mantiene al publico en pura tensión.

En una escena, como se cuenta una simple historia es pura magia, pero lo que revela del personaje es mucho más intrigante.

Neo-Noir y Estudio de Personaje:

La película empieza y ya estamos viendo el mundo en el que Driver vive: la mitológica ciudad de Los Angeles, destripada de su brillo y glamour, demostrando su humanidad, tan oscura y vacía; sacando elementos del famoso film noir. Caracterizada por la manipulación de iluminación selectiva para jugar con la composición de la toma, las tomas no llamativas que usa en escenas importantes(perspectivas diferentes, reusarse a nublar elementos en la cámara), incógnita con el pasado de Driver y la manera que el protagonista y los antagonistas nublan la linea entre lo correcto y lo incorrecto, Drive, por naturaleza, crea un aura de suspenso e incertidumbre, usando la ciudad de Los Angeles como laberinto en donde puede enredar su compleja historia, junto a los tramas secundarios de cada personaje expuesto, sin perder el sentido y lograr una atmósfera donde todo personaje choca de manera directa o indirecta.

Uno de los elementos claves del neo-noir/film noir es la búsqueda de algo valioso – una cantidad de dinero gigante, un objeto de valor significante, una persona- o la necesidad de resolver un problema o crimen. Aquí la problemática es señalada cuando Standard (ex de Irene) usa a Driver para un robo para pagar un deuda y sale muerto en el acto, Driver termina con el dinero y desde esa decisión, se empiezan a unir los personajes de sus temáticas secundarias a la historia principal.

Con todo estos elementos señalados, no es misterio por la cual Driver es como es: un ser humano distanciado de sus emociones, sin sentido de moralidad definido, nihilista, en un eterno conflicto entre separar esta vida de criminalidad y peligro inminente que llena su vacío con un poco de significado y propósito de las personas en las que él ama.

Drama Romantico:

En la novela que inspiro la película (Drive de James Sallis), Driver vive en el apartamento con su ex esposa y está haciendo el trabajo para recaudar dinero y mudarse.

En la película, Driver aparece viviendo solo, llamándole interés su vecina, Irene, quien vive con su hijo de un matrimonio pasado. Irene es una mujer distante de alguna relación amorosa pero con esperanza de que todo puede cambiar de lo que fue su ex esposo (Standard) al conocer a Driver.

Para Irene, Driver representa una segunda oportunidad; para Driver, Irene es lo que su vida puede ser si no existiera la de conductor de la mafia, y el director Nicolas Windin Refn señala esto a la perfección: con juego de tomas y de iluminación. En cada escena que Driver esta junto a Irene, la iluminación parece dar la ilusión de que ambos están en un mundo de fantasías, donde el tiempo se congela y solo existe el mundo perfecto que ellos desean, y cuando Driver está en su mundo, la iluminación de la película es más oscura, con un aire de suspenso, las tomas son más introspectivas enfocadas normalmente en la mirada del personaje, como si llevara un lenguaje no verbal al hacerlo.

Estos dos mundos (el iluminado junto a Irene) y el oscuro (su vida privada) se unen en la escena más memorable de la película que todos los géneros representados en ella se lucen: la escena del elevador.

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Driver le confiesa la verdad de todo lo que está pasando a Irene y ambos intentan escapar del edificio donde viven. En el elevador, se encuentran con uno de los mercenarios de la mafia que quiere matar a Driver, y antes de que todo pase, Driver se acerca a Irán y tiene un momento romántico con un beso lento, con todas las luces brillando, la cámara dando un giro lento imitando la pasión y la adrenalina de ese bello momento, y en cuestión de segundos, Driver mata al mercenario de manera sencilla pero tan humana, tan real, que le revela que tan misterioso es Driver a Irene por primera vez. Con sangre en su vestimenta y rostro, Irene se queda en “shock” en el parking, y la ultima toma es una mirada de este monstruo que ella vio y la mirada inocente de una mujer que jamás tendrá.

Horror:

Todos amamos estas películas de “Killers”: los Jason’s, Freddy’s, Michael Myers del mundo cinemático, el hombre enmascarado que crea caos y masacre en el tiempo y espacio presente. En la última escena de la película, Driver se convierte en este personaje.

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En lo que para mí ha sido una de las mejores escenas que he visto en el cine, Driver usa su mascara de stunt driver para ir detrás de los que han causado este desorden en su vida y quieren matarlo. Con un perfecto juego de escenografía, iluminación, tomas y para el toque final, la musca perfecta para crear el contraste y a la vez, definir el personaje y los actos que toma.

But this light/Is not for those men/Still lost in/An old black shadow/Won’t you help me to believe/That they will see… A Day/A brighter day/When all the shadows will fade away”. De manera astuta, la canción de Riz Ortolani nos crea una atmósfera de tension, finalidad y paz interna, lo que en fin y al cabo, Driver, con todo y lo macabro que pudieron ser sus actos, estaba buscando. Y allí está driver: con su mascara protéstica, martillo en mano, mirando desde una colina hacia la orilla del mar donde se encuentra Nino esperando su hora final, los relámpagos creando una escena de terror y el silencio siendo interrumpido por las olas del mar.

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Con todo estos elementos mencionados, falta mencionar uno que hizo a esta película brillar por encima de las demás: su música. Hoy en día gracias a la Fase 3 del Universo Cinemático de Marvel, se ve de moda el uso de rock clásico, cual no me quejo, o sea, ¿A quien no le gusta una película llena de AC/DC, Bowie y Led Zepellin?

Otras películas de acción recurren a usar temp music: música que ya existía, le hacen una modificación para que suena un poco diferente y con esa se van; ejemplo, el score de Titus vs el de 300. Drive lo lleva a un nivel que no lo habíamos visto.

Drive usa música mayormente synthwave: un sub género de la electrónica que se caracteriza en crear un aura retro, ochentoso estilo Miami, ciencia ficción de la época y el uso de synths atmosféricos que expanden la ilusión de que te estas transportando a otra dimensión, más memorable, la canción de Kavinsky que se convirtió en el himno de la película, Nightcall.

Mezcla esa musica, Driver conduciendo en alta adrenalina y la emblemática ciudad de Los Angeles y tienes una receta de una elevación sensorial completa.

Un ultimo detalle que es igual de memorable que la música, y para algunos, es lo más cool de ella. El jacket que hizo a Ryan Gosling famoso.

El Jacket:

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A mí me encanta cuando en las películas, con pequeños detalles escondidos, te dejan saber quien es el/los personaje/s o el significado de la película. También me encantan las piezas de ropa que se vean bastante cool, así que cuando vi ese jacket de escorpión de Driver en la película, ya saben que quede intrigado. Pero puede ser que el constante uso del jacket de parte de Driver te explique mucho.

Hay una fábula del escorpión y la tortuga, que se le acredita a Esopo, sobre un escorpión que le pide ayuda a una tortuga para cruzar al otro lado del río; la tortuga le teme en ayudarlo por que sabe que el escorpión con un aguijón y puede ser el fin de su vida pero la tortuga queriendo ayudar, cede a ayudarle. Todo el viaje iba perfecto hasta que cuando van a llegar, el escorpión le da el aguijón, y cuando la tortuga le pregunta el por que de su acción, el escorpión solo responde:”No pude evitarlo, es mi naturaleza”.

Es una perfecta analogía quien es Driver: un tipo que no importa sus intentos de alejar la gente que aprecia fuera de sus asuntos privados, siempre termina enredando a su gente en sus propios pleitos, y con cada intento de tratar de arreglar la situación, lo que hace es empeorarlo. Y que para poder tener paz interna y todo su alrededor también se sientan en paz, solo puede hacer dos cosas:

  • Como con Irene, dejarla ir, con toda la esperanza de un final feliz.
  • Como con el resto de los involucrados en el robo, acabar con todos, darle el “aguijón”, prender el carro y guiar hasta que salga el sol hacia un nuevo mañana.

En sí, Drive es lo que demuestra: una enigmática protesta hacia el post-modernismo cinematográfico de Hollywood, donde nos meten violencia y secuencias de acción innecesarias tan frecuente que la única opción que tienen en cada idea es la amenaza de destruir una ciudad(o mundo), a los personajes les falta carisma o no tienen espacio para un character development propio, ya que son tan genéricos y nos venden la misma película una y otra vez, sin visión de detener.

Mientras hay películas de acción post modernas que son obras maestras como Mad Max: Fury Road, otras que son tremendas como John Wick, la trilogía Bourne, saga de Daniel Craig en James Bond; otras que son buenas a lo Universo Cinematico de Marvel, Fast 5 (admítanlo: esta fue la mejor que han hecho) y Kingsman; otras genéricas pero entretienen; unas malas y otras que realmente nadie sabe como tuvieron luz verde en los estudios de producción, Drive brilla por la manera que todo lo que pasa en el transcurso de ella sucede orgánicamente.

Las escenas de persecución son vitales, ninguna linea de diálogo suena como un relleno para terminar la escena, todos los personajes tiene un espacio perfecto para desenlazarse en el transcurso de la película sin dejar agujeros en su historia, y hasta las escenas violentas no se sienten como escenas de acción que nos quieren vender a la fuerza, sino como un efecto de la causa de las decisiones de cada personaje, algo así como el resultado necesario para resolver la situación en la que se encontraban, y lo mejor de todo es que esas escenas son pequeñas pero tan humanas y reales que aumentan la atmósfera emocional que las rodea.

Drive por siempre sera una joya del cine para mí. Fue una de esas películas que prendió mi chispa artística y querer conocer y experimentar en el mundo de las artes, y hasta me hizo fanático de Ryan Gosling- lo sé, lo sé no juzguen. Pero si hay otra cosa que Drive dejo clara es que a veces la mejor decisión que puedes tomar a la hora de resolver una situación que no te incluye es dejar las cosas fluir, dejarlo ir, montarte en el carro, dale play a Nightcall de Kavinsky y que el camino dicte tu destino.

 

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