Toma Dos Top 40 Discos del 2017

 

SZA nos enseño a amar, Kendrick Lamar nos pidió que oramos por él, Khalid aprecio su juventud y otras joyas de la música en el 2017.

Vamos a ser honesto: Este año 2017 fue uno difícil de procesar. Entre la sobre saturación de noticias negativas, los valores de ética y opiniones absurdas que muchos tuvimos que soportar en esta nueva época que estamos viviendo y ese sentimiento de que la barra de calidad de muchos departamentos creativos ha bajado drásticamente nos masacraron mentalmente; lo sé, no necesitamos más pruebas.

Pero si de algo estoy seguro es que muchos artistas sirvieron el rol de lo que regularmente los necesitamos: como ese espejo a la sociedad, como portavoces de nuestra gloria y nuestras penas, y como los que ponen los “trends” en el panorama artístico y cultural.

De ver el debut de la joven Dua Lipa, la carrera solista de Harry Styles, dos proyectos de Kodak Black a el enigma conocido como XXXTENTACION hasta el regreso de Eminem y Sam Smith, este 2017 musicalmente hablando, ha sido uno para recordar.

Más que nada, este año fue uno llenos de discos que fueron aclamados por todo el publico, unos que se fueron desconocidos pero rompieron las criticas y otros que son joyas escondidas que merecen reconocimiento.

Nosotros aquí en Toma Dos le hicimos el favor de resumirle nuestros elegidos a los Top 40 discos de 2017:

40. Drake: More Life

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Hemos llegado al punto que básicamente Drake no puede perder. No puede perder un premio, no puede perder una guerra lírica contra otro rapero, no puede fallar hacer un hit en diferentes géneros, y por eso Drake con este proyecto alzó su copa y brindo por “Más Vida”. Construido como un playlist, More Life trae una mezcla de todos los estilos que Drake, como artista, ha lucido a través de su carrera, desde el dancehall en “Blem”, música romántica como en “Passion Fruit” y hasta montándose en el género del Grime británico, uniendo fuerzas con dos de los grandes del género: Giggs y Skepta.

Drake esta en una racha de victoria y al parecer, no ve el final de ella. Más vida para ti, Drake.

39. Action Bronson: Blue Chips 7000

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Mi meta en la vida es vivir como Action Bronson: una transformación de chef profesional que hacia rap como hobby termino en una carrera de uno de los personajes más coloridos del hip hop moderno actualmente. Bronson siempre ha lanzado álbumes creativos, con las barras más astutas y graciosas posible por encima de los samples más únicos que se han escuchado pero con este ultimo capitulo de su serie “Blue Chips”, Action Bronson nos enseña lo que realmente es la buena vida: una oda a comer bien, cocinar bien, viajar el mundo, vivir tus fantasías por más absurdas y tontas que suenen, y acompañado de canciones como “9-24-7000” junto a Rick Ross, “My Right Lung” y “Hot Pepper”, Bronson nos da el matrimonio entre comedia, lujo y hip hop de calidad.

38. Roy Wood$: Say Less

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Desde ese primero proyecto en el 2015, Exis, todo el mundo en la cultura estaba en tensión de que tan bueno iba a ser este nuevo artista del conglomerado de Drake, OVO. Roy nos dio un preview de que tan bueno era en el release de Waking At Dawn y Nocturnal en el transcurso del año pasado pero todos sentíamos que el joven podía dar un proyecto más completo y llamativo a grande escala.

Diciembre 1 del 2017 llega y nos regala su primer álbum, Say Less. En una mezcla melódica y atmosférica, Say Less nos lleva profundo al mundo artístico de Toronto, con esas influencias caribeñas en canciones como en “What Are You On?”, Alternative R&B en “Take Time” junto a 24Hrs, “Back it Up” junto a PartyNextDoor, pop con influencias 80’s en “Little Bit of Lovin” y su trademark R&B atmosférico con influencias de trap “In The Club” y “Undivided”.

La gente quería que Roy Wood$ les diera su arte; Roy Wood$ los escucho claramente. Y así mismo lo hizo.

37. J.I.D: The Never Story

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Muchos de ustedes piensan “otro rapero más de Atlanta haciendo mumble rap y diciendo incoherencias” pero el joven J.I.D del escuadrón de J.Cole, Dreamville, piensa que ustedes no han visto nada todavía. En un disco que se llevó el mundo de los críticos de música como avalancha, The Never Story se siente como una película en audio. J.I.D tiene una voz inusual, una combinación de estilos de rapear que ni el más veterano puede entender y una habilidad de contar diferentes historias canción por canción y que a la vez se sientan parte de un mismo cuento que solo los grandes del género pueden tirarse.

Canciones como “NEVER”, “8701” junto a 6Lack y “LAUDER” dejan sentir que J.I.D esta aquí para quedarse, y si puede brindar proyectos de esta calidad, su futuro esta muy claro.

36. Goldlink: At What Cost

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Cada año vemos a un artista que da la milla extra para salirse de su zona de comodidad y tratar de intentar mezclar su estilo con algo nuevo. Y después esta gente como Goldlink que lo ejecutan claramente y sin miedo alguno. At What Cost se siente como una película que te lleva a un viaje psicodélico mezclado con una vibra oscura y pesada, y a la misma vez, un sonido despierto y optimista. Juntando talentos como Wale, Shy Glizzy, Jazmine Sullivan, entre otros, nos cuenta una historia de tristeza y dolor “Pray Everyday”, “Same Clothes As Yesterday” y simultáneamente nos hace pasar un buen rato con “Crew” y “Meditation”.

 

35. Joji: In Tongues-EP

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Si te digo que el mismo George Miller que hizo parodias como Filthy Frank también nos regalo uno de los mejores proyectos del 2017, ¿me creerías?

Bajo el nuevo alias Joji, George Miller pone su inmenso grano de arena en la nueva cultura artística asiática, uniéndose al gran movimiento traído por los muchachos de 88rising. Integrando elementos melancólicos y atmosféricos del “alt R&B” y “Experimental” con toques de “EDM”, In Tongues nos lleva en un viaje sentimental donde la esperanza del “hopeless romantic” brilla por su, irónicamente, falta de esperanza.

Canciones como “Will He” y “Bitter Fuck” le dan un vistazo al resto del mundo de que puede ser lo que Joji tenga para el 2018 con su nuevo proyecto.

34. Rick Ross: Rather You Than Me

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Hay pocos artistas hoy en día que son tan consistentes año tras año con sus lanzamientos y nunca decepcionan su fanaticada. He sido digno de ver la transformación de Rozay desde Port of Miami hasta su nueva pieza, Rather You Than Me. Un cambio de rapero que quería ser demasiado calle para recibir respeto a la cara del estilo de vida “braggadocious”, dedicándose más a proclamar venir desde pobreza a vivir la vida de un rey y dejarle saber a sus oyentes que todos nacimos para vivir como uno.

Rozay es de esos raperos que pueden vivir en ambos extremos: el genio “lirical” que puede irse tope a tope con los más grandes de su genero y el “trapero” hardcore que nos puede mostrar ese lado agresivo y feo del bajo mundo, y mostrar ambas a la misma vez en muchas ocasiones.

Narrado por Chris Rock, Ross nos da dos de las canciones más lujosas del rap (“Santorini Greece”, “Game Ain’t Based on Sympathy”), unos himnos de trap que explotan cualquier bocina que encuentren(“Trap,Trap,Trap”, “Dead President”) y acompañado de talentos como Nas, Meek Mill, Def Loaf, Gucci Mane, Jeezy, Young Thug, Raphael Saadiq, entre otros grandes, es difícil ignorar este álbum.

33. Thundercat: Drunk

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Hay que amar proyectos que pasan las canciones y uno no se de cuenta que el “playlist” esta cambiando, ya que las transiciones son tan limpias que hacen que todo parezca parte de una sola obra. Thundercat logro esto a la casi perfección.

En una odisea borracha, Thundercat empieza el disco con el himno de un “procrastinator” en resaca (“Captain Stupido”), pero mientras el álbum sigue progresando, uno se da cuenta del significado de este disco: un viaje profundo en la ansiedad y depresión pasiva-agresiva de artista que va de un ambiente “funky” y “upbeat” a uno negativo y triste ya llegando al punto final del disco.

Acompañado de talentos desde Kendrick Lamar, Wiz Khalifa hasta Pharrell Williams, Stephen Bruner nos invita un viaje “stoner” a su estado emocional.

 

32. N.E.R.D: No One Ever Really Dies

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Después de siete años de ausencia, el trío artístico de Chad Hugo, Shay Haley y el ser mítico llamado Pharrell Williams regresan más potentes, más creativos y políticamente cargados en su proyecto para cerrar el 2017, No One Ever Really Dies.

La banda de funk-rap reclutan talentos como Rihanna, Future, Kendrick Lamar, y hasta lograron sacar a Andre 3000 de la cueva para crear “Rollinem 7’s”, cual todo el que la escucho te lo dejara saber: esperar tanto para escuchar un junte entre Andre con N.E.R.D valió la pena completamente. Tocando temas desde el ambiente político hasta el racismo mezclado en ritmos afro-pop, la banda astutamente crean una atmósfera de optimismo, a la vez creando un poco de conciencia social.

 

31. A$ap Twelvyy: 12

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“El Hip Hop está muerto.”

Una de las frases que más se escucha en los medios musicales. Pero el integrante del colectivo, A$ap Mob, Twelvyy viene a desmentir tu teoría. Jamel Phillips vino a traer de vuelta ese sonido que hizo a New York lo que es: fuerte, oscuro, sucio, trayendo memorias de Wu Tan Clan, Mobb Deep, bajo la producción de Harry Fraud, Maaly Raw, Jim Jonsin, entre otros.

Al escuchar este disco, sin duda sentirás a la cultura hip hop de Nueva York en cada canción: las botas Timberland, las gorras de los Yankees, los “jean shorts”, la manera de hablar, y hasta una pintoresca imaginación de la vida en el Bronx, con la ayuda de Joey Bada$$, A$ap Rocky, A$ap Ferg, los muchachos de Flatbush Zombies y más raperos de la escena independiente que le dieron vida a uno de los proyectos subestimados del año.

30. Lara Project: Una Semana Antes Del Paraíso

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Directamente desde Valencia, Venezuela, el grupo musical Lara Project traen una mezcla de Synth-Wave, R&B e Indie Rock que fue justa y necesaria para los playlists del 2017. Encabezado por el joven vocalista Felix Lara, U.S.A.D.P brinda una historia melancólica-poética que despierta al romántico optimista que vive dentro de cada uno. Con una voz suave por encima de instrumentales que crean una atmósfera que transciende el tiempo y espacio, este proyecto esta lleno de canciones que tienen un valor rotativo increíble, desde la nostálgica “Regresar”, el himno de los roadtrips “” hasta la triste y romántica “Toda La Noche”.

 

29. A$ap Ferg: Still Striving

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A$ap Ferg siempre será visto como el segundo al mando del A$ap Mob pero entre los fanáticos, Ferg siempre es el “fan favorite” como el que siempre da los mejores bangers. Con Trap Lord, anuncio su llegada; con Always Strive and Prosper, demostró que puede ser una estrella solista y uno de los grandes del género en el mundo de la moda. Con Still Striving, reúne uno de los mejores line-ups del 2017, juntando talento como Dave East, Cam’Ron, Lil Yachty, Playboi Carti y el mega remix del sencillo “East Coast”, que cuenta con una de las canciones más completas de su carrera.

Ferg sigue escribiendo su capitulo en la historia de “Harlem World”, uno de los sectores de New York que le ha dado tanta cultura a la cultura pop y al hip hop en común, brindando un proyecto cual mezcla el nuevo sonido del trap con la mentalidad y “aesthetics” de los 80’s y 90’s de Harlem.

28. Syd: Fin

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En lo que fue un buen año para las voces femeninas del R&B, la ex integrante del colectivo Odd Future, Syd Tha Kyd da un giro drástico a su estilo musical: una nueva semilla a la creciente cultura del trapsoul del R&B moderno. Syd ataca este proyecto de una manera que da miedo, no solo lo perfecto que le cae este estilo a ella, sino que también lo mucho que parece a varias mujeres clásicas del género en los 90’s: un toque de la voz sensual y escritura de Aaliyah con el hip hop armonizado que trajo Lisa “Left Eye” Lopez de TLC.

Un disco que complace a cualquiera que este buscando: R&B clásico (“Smile More”), letra introspectiva (“Shake Em Off”), sensualidad (“Got Her Own“, “All About Me”…) y los twerk anthems (“Dollar Bills” con Steve Lacy) y “Over” junto a 6lack).

 

27. French Montana: Jungle Rules

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French Montana es un enigma: desde que salió al “mainstream”, ha sido una estrella sin duda pero siempre existió la incógnita de su talento singular sin ayuda de otras estrellas en colaboración. ¿La contestación? Jungle Rules.

Un perfecto ejemplo de como French puede lucir como artista solista, usando la técnica del wave aprendida de su mentor, Max B, y a la vez, juntarse con lo mejor de lo mejor del género para crear himnos que explotan la radio y las redes simultáneamente. Desde el primer sencillo, se supo que este iba a ser el año “breakout” de French como artista. “Unforgettable” junto a Swae Lee fue uno de los catalizadores del boom del dembow/afro-beat en la música popular en el 2017.

Para reforzar tan importante sencillo, creó canciones como solista que fueran fácil de propagar en la radio (“Hotel Bathroom”, “Trippin”, “Too Much”), colaboraciones con estrellas del momento(“Migo Montana” junto a Quavo, “A Lie” con The Weeknd y Max B, “Jump” con Travis Scott) y más música con influencias del Caribe (“Famous”, “Formula” con Alkaline).

Esperemos que sea el comienzo de una buena racha de proyectos para French.

26. Lil Uzi Vert: Luv is Rage 2

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En un transcurso de 2 años, hemos visto la transformación espiritual del joven Lil Uzi Vert, de un adolescente optimista a lo que la vida le podría brindar a un joven adulto que ha visto cosas que nadie se supone que vea, un nihilista con poca autoestima pero con esperanza de que todo mejorara.

Musicalmente hablando, Uzi Vert se ha dado la misión de definir el estilo del “rapero” rockstar, no solo por sus conciertos, cuales son el punk revivido, su ropa directamente de un shooting de los Ramones, también mezclando letra introspectiva con letra superficial acompañada de las armonías más psicodélicas del género en total.

Empezando el año con su máximo hit, “XO TOUR LIif3”, Uzi demostró el punto de su arte: música que en la superficie te haga feliz pero destapando sus capas, te haga ver las penas de un joven descubriendo su ser en un mundo que lo sofoca.

25. Aminé: Good For You

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Adam Aminé completo su cambio de estudiante haciendo internado en Complex a crear uno de los himnos más grandes del año, con el pegajoso “Caroline”. Pero ese no fue el final: Aminé se convirtió en el “feel good rapper” de la nueva generación. Inspirado por la clásica historia “millenial” del joven universitario que quiere ser algo más que ser un tipo común, él se fue dedicado con su álbum de debut, Good For You.

Trabajando colaboraciones con Nelly, Ty Dolla $ign, Offset, Kehlani y el “tío” Charlie Wilson, Aminé nos da un viaje al clásico “teenage angst”, su propia historia heroica de encontrar su propio camino manteniendo una actitud optimista, creando hip-hop con melodías amigables y hasta letra jocosa, creando un ambiente de alguien que acaba de encontrar su significado personal.

24. 21 Savage x Metroboomin x Offset: Without Warning

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El trap ha tenido un 2017 digno de celebrar: se convirtió en el sello del mainstream en los Estados Unidos, el nuevo método de llegar a nuevos mercados para los artistas de reggaetton, el grime se movió a las Américas y Asia demostró su cultura urbana a través de este subgénero del hip hop.
¿3 de los responsables de por que tanta dominancia en la música?

21 Savage, Offset del Migos y el super productor Metro Boomin, y se unen para darnos el epítome del trap wave este año. Viviendo el nombre “Without Warning”, este conjunto vino para dar un álbum que llevo el genero a sus raíces de “emceeing” encima de pistas de traps, glorificar sus éxitos y demostrar que son las caras de todo este movimiento que esta sucediendo.

Ghostface Killers” abre el disco con Travis Scott uniendo fuerzas con el trío y Metro tirando instrumentales que no se acostumbra a crear(un poco más hip hop para los puristas) y el hit single del proyecto, “Ric Flair Drip”, nos enseña de que es capaz de hacer este conjunto: el mejor trap de la mejor calidad con la mejor producción.

23. Freddie Gibbs: You Only Live 2wice

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Después de la racha desde Piñata, Gibbs ha sido reconocido como uno de los raperos más talentosos del género y de lo más reales entre los aficionados. Pero todo eso casi cae al fondo después de un caso fabricado de violación en el 2016 en Austria, Freddie fue arrestado y vivió todos sus miedos se hicieron realidad: perder custodia de su hija recién nacida, amigos se desaparecieron, sus 12 años de carrera yéndose lentamente de sus manos.

Cuando el veredicto salió inocente, Freddie pensó en quitarse su carrera y dejar de hacer música. Pero el fuego interior lo obligo a grabar su disco más oscuros, agresivo, real y honesto hasta el momento. Su voz tan amenazante como el miedo mismo, su vulnerabilidad tan real que se siente como si se estuviese muriendo y los instrumentales más agresivos de su carrera, Freddie Gibbs usa canciones como “Crushed Glass”, “20 Karat Jesus” y “Phone Lit” como confesionario con sus fanáticos.

 

22. Miguel: War and Leisure

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Miguel siempre ha estado en un lugar peculiar: en el mainstream, Frank Ocean y The Weeknd parece que acapararon el oido de las masas. Abajo, el resto de los cantantes de R&B como Chris Brown, Trey Songz, entre otros que siguen moviéndose y tienen su propio mercado.

Miguel esta entre medio de ambas plataformas. Miguel es el singer-songwriter del R&B: es como una mezcla entre las vibras de arte y feminismo que Frank Ocean brinda con el rock-n-roll que Lenny Kravitz implanto hace 2 décadas atrás. War and Leisure vino con una fuerza sexual que siempre trae en cada proyecto con un buen toque de conciencia política-social, cual ha demostrado en pasadas canciones.

War and Leisure trae un poco para todos sin sonar forzado como otros discos que intentan hacer lo mismo: “Criminal” y “Skywalker” traen ayuda de Travis Scott y Rick Ross para los que aman la union de rap con R&B, “Banana Clip” y “City of Angels” traen esas harmonías que hacen a Miguel un sex god y “Caramelo Duro” con Kali Uchis sacan ese lado latino del artista a pasear.

21. Jaden Smith: SYRE

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Jaden Smith puede ser que sea el artista raro de Hollywood. El hijo de una de las parejas más grandes del pop culture siempre se ha dado a conocer como un enigma, un muchacho en su propio mundo. Y con el debut de su carrera artística, SYRE, lo dejo todo claro: su mente es compleja, su estilo no se puede descifrar simplemente pero es un talento crudo que tiene potencial a ser algo lindo dentro de las artes.

El proyecto empieza con una canción dividida en 4 partes que se siente como un viaje astral empezando con tristeza y decepción (“B”), su filosofía y perspectiva social (“L”), el lado feo de enamorarse con alguien que parece demasiado perfecto para ser real (“U”) y su ideología y definición de lo que estar en baja significa en su pensamiento (“E”). Seguido por “Breakfast”, “Falcon”, el sencillo del disco “Icon”, Jaden Smith logra una tremenda primera impresión a un mundo que siempre lo vio como un chiste.

Quedo demostrado que no hay nada gracioso con este muchacho… Bueno, a lo mejor sus tweets si.

 

20. Big K.R.I.T: 4eva Is A Mighty Long Time

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No fue hace mucho cuando considerábamos a Big KRIT como uno de los líderes de la nueva escuela del hip hop, incluyéndolo en la misma conversación de Tyler the Creator, Wale, Meek Mill, Nicki Minaj, Drake, J.Cole, Mac Miller y Kendrick Lamar. Todos estos terminaron siendo grandes en el mainstream y Krit se quedo entremedio del underground y el mainstream. 4va is a Mighty Long Time, Krit nos confiesa todo lo que paso en el camino: adicción al alcohol, writer’s block, perdida de inspiración, problemas con su vieja disquera (Def Jam) y problemas familiares fueron alguno de esos deslices en su camino a la gloria.

Para explicarnos este caos, Krit divide el disco en 2: primera parte, conocemos el ego, Big Krit, el artista famoso con toda su gloria; en la segunda parte, Justin Scott, Big Krit cuando cae la cortina y vuelve a su vida cotidiana y todo lo que lo enfrenta.

Esta más que claro decir que Big Krit y Justin Scott nos llevaron a la iglesia con este proyecto, y con ambas introducciones a cada disco, “Confetti”, “Subenstein” y “Keep The Devil Off”, nos demuestra no solo que es versátil, sino que contar su historia es terapia para ambas partes de su ser.

19. Young Thug: Beautiful Thugger Girls

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En el 2009, Lil Wayne quiso romper las barreras del rock y el rap con Rebirth, lo que termino en uno de los peores proyectos del año y el comienzo del declive de su carrera.

En el 2017, Young Thug hizo lo mismo y fue el proyecto sorpresivo del año. Thugga siempre será un enigma: su manera de cortar sílabas haciendo que las palabras suenen más como sonidos y armonías, su personalidad abstracta, la mitología que lo rodea, lo han convertido en un David Bowie del rap moderno. Con Thugger Girls, Thugger empieza con una balada hablando de sus amistades cercanas seguida con “Tomorrow Till Infinity”, una canción de amor donde Thug se vuelve tan melódico que uno olvida que es un rapero.

Young Thug se ha vuelto en un artista completo: su selección de instrumentales casi a la perfección, su contenido variado y un álbum conceptual que mezcla tanto el romanticismo de country con la agresividad del trap y la lujuria del hip hop pop, que en vez de rendirse ante la música y perderse en su propia creatividad, Thug se vuelve agua y mezcla con todo lo que crea.

 

18. 2 Chainz: Pretty Girls Like Trap Music

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No se puede hablar del año que tuvo el trap sin mencionar al que muchos consideran el G.O.A.T del género, Tity Boi a.k.a 2 Chainz. Tity ha sido uno de los actos consistentes desde que Kanye lo reclutara en el 2011 para G.O.O.D music (incluyendo el mito de que grabo más de mil versos en un solo año). Con ambos lanzamientos de B.O.A.T.S, 2 Chainz se convirtió en un nombre estelar en el pop culture pero hacía falta un proyecto supremo que lo llevara al Mount Rushmore del género.

Pretty Girls Like Trap Music.

Desde que empieza el álbum (“Saturday Night”), se nota una diferencia kilométrica de lo que habían sido sus otros discos: se nota un artista que en vez de perseguir la manera fácil de pegar, buscando buenas pistas y los nombres grandes para sonar rápido, se vio un 2 Chainz decido en cementar su propio legado. Este es como el equivalente al Black Album de Jay-Z, pero en vez de un veterano diciéndole adiós al género, con Pretty Girls Like Trap Music vemos un veterano diciéndole al género: reconozcan mi leyenda.

 

17. Lana Del Rey: Lust For Life

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2012 fue el año que vimos la llegada de una de las artistas que ha definido la cultura millenial: Lana Del Rey. Con su producción atmosférica, letra melancólica (mayormente pesimista) y estilo retro, creando el efecto nostálgico de Hollywood en los 40’s/50’s, Lizzy Grant a.k.a Lana del Rey se trepó al nivel de estrella del pop con su álbum, Born to Die.

Pero por 4 años, los lanzamientos de Lana pasaron de algo estelar a discos que casi nadie hablaba de ellos. Uno de los factores era que no estaba tirando sencillos para la radio; otro era que se estaba alejando de su estilo sonoramente hablando y estaba tratando de demostrarle a las críticas que ella tenia melodías.

Con Lust for Life, Lana volvió a casa. Juntándose de nuevo con ese sonido de hip hop que le dio la luz verde en el génesis de su carrera, Lana nos da su álbum más completo hasta el día de hoy. Sigue melancólica pero optimista, demostrado hasta en la carátula del disco, y rejuvenecida en contenido y flexibilidad artística, variando desde uniones con Playboi Carti y A$ap Rocky a su alma gemela musical, The Weeknd y la mujer que dio a luz el estilo completo de brujería-gypsy espiritual, Stevie Nicks.

16. Rapsody: Laila’s Wisdom

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El Hip Hop siempre ha sido un genero regularmente machista. Como amante de la cultura, se me hace difícil tragarme esa realidad. Por eso, todo aquel que realmente ama este genero musical aplaude cuando mujeres se van a la carga haciendo música, ya sea dando el mejor show, haciendo trap, hip-hop/pop, etc.

Después viene Rapsody. La joven Marlanna Evans ha sido extra consistente desde sus primeros proyectos (“The Idea of Beautiful”, “Beauty and the Beast”, “Crown”) pero con el lanzamiento de Laila’s Wisdom, Rapsody crea un excelente debate para ser nombrada, no solo como la mejor rapera femenina, pero como una de las mejores en el arte del rap entre sus contemporáneos sin importar si son hombre o mujer.

Con la producción de su mentor, 9th Wonder, con ayuda de veteranos como Nottz y Khrysis, Rapsody crea una historia poética sobre la vida de la mujer negra viendo la sociedad que la rodea y básicamente, como lo señala el titulo, dando su conocimiento al mundo.

Y no vino sola: Kendrick Lamar, Anderson.Paak, BJ The Chicago Kid y Busta Rhymes son algunos de los que ayudando a Rapsody a crear este Grammy Nominated Album.

 

15. Fabolous x Jadakiss: Friday on Elm Street

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En un año donde los álbumes en conjunto en el hip hop demostraron el poderío estelar en el género, uno hizo el trabajo de reunir dos leyendas del rap y crear un disco conceptual imitando a dos de nuestros monstruos de ficción, que de acuerdo a las personalidades de cada uno, atacaran a su audiencia de dos puntos de vista diferentes.

Fabolous, maestro de metáforas y sarcasmo en su letra, hace de Freddy: matando el mundo ficticio en el muchos vivimos, demostrándonos la cruda realidad escondida detrás de las pesadillas.

Jadakiss: al igual que su personaje, Jason Voorhees, nos enseña la realidad en la que vivimos, los problemas que nadie quiere señalar, las opiniones que nadie quiere decir y la actitud que nadie quiere tomar.

Y con la ayuda de Teyana Taylor, Swizz Beatz, Future, Styles P y French Montana, estas dos leyendas menospreciadas nos dan este tan importante disco que tardo más de 10 años de esquivar todo los elementos que querían impedir que sucediera. Se puede decir que valió pena la espera.

 

14. Tyler The Creator: Flower Boy

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Scum Fuck Flower Boy, el cuarto proyecto del carismático Tyler the Creator, fue uno que mando un choque eléctrico a los críticos de la industria. Regularmente visto como un artista que hace proyectos graciosos con significado escondido, Tyler dejo atrás la jocosidad juvenil y vino directo al grano: Una recolección de canciones que encapsulan la depresión y ansiedad que se estaban comiendo a este joven genio vivo. El proyecto más honesto de su carrera y todo, gracias a que no uso la mascara que usaba siempre. No hay personajes; simplemente Tyler, con un mensaje de liberación espiritual y aceptación que va más allá del público.

Una aceptación de si mismo. Sonoramente, el álbum donde dejo demostrada su creatividad y lo maleable que es su arte. Y con un grupo de super amigos, variando desde Pharrell Williams, Frank Ocean, Kali Uchis, Lil Wayne, Jaden Smith, entre otros creativos, no hay duda alguna que Tyler merece esa nominación a los Grammys que recibió a finales de este año.

13. Benjamin Clementine: I Tell a Fly

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El joven británico que vivió en las calles de Francia cantando en las calles y termino grabando un álbum debut que ganó el prestigioso Mercury Award, Benjamin Clementine esta devuelta con su segundo disco, cual resulto su más difícil de entender y de digerir; exactamente lo que su arte se trata. Enfocandose en la perspectiva de un inmigrante que la cultura primer-mundista no llena de prejuicios y no acepta, I Tell a Fly habla desde los refugiados de Aleppo seguido por historias de dos moscas que se enamoran, lo cual demuestra lo compleja y avant-garde que es la mente artística de Benjamin Clementine.

No es un disco fácil de escuchar y menos para una cultura moderna que no esta acostumbrada a este tipo de sonido, y para matar toda norma que nos han creado con los géneros populares, la musicalidad de este disco parece no tener un orden pero suena en orden, creando confusión sonora a todo el que lo escucha. Al empezar el disco con “Farewell Sonata”, confirma muy bien este hecho.

Se puede llegar a la conclusión de que Benjamin Clementine esta aquí para darnos un “detox” auditivo.

12. Sampha: The Process

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Todo el mundo recuerda la voz impresionante que retumbó las bocinas en Nothing Was The Same el momento cuando sonó “Too Much”. El joven británico Sampha provee uno de los mejores samples/coros en “rap sung” hip hop en los pasados 10 años y dejó al mundo musical con ganas de un proyecto de él. Después de varias colaboraciones desde Solange a Kanye West, Sampha nos explica la razón por la que se tardo casi 5 años en dar su debut:

La muerte de su madre en batalla con cáncer y su pelea con aceptar la fama y la vida de artista causaron su depresión y perdida de inspiración; pero valió la pena la espera.

Desde la primera nota que suena, tu sabes que este disco será algo especial, y claramente lo fue. El pico emotivo del disco, “(No One Knows Me) Like My Piano” es el desahogo del 2017: una obra llena de emoción, tristeza, dolor con un toque optimismo forzado para poder sobrevivir la tormenta sentimental en su vida.

En las palabras de Joel Embiid:”You gotta Trust The Process”, y Sampha lo demostró perfectamente.

 

11. Lorde: Melodrama

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Imagínate que tiraste un “get” con tu grupo de amistades y conocidos con la mejor música, mejor bebida y toda la mejor decoración, solo para escapar tus pensamientos ansiedad y soledad. Perfecto, por que eso es exactamente lo que la enigmática figura de Nueva Zelanda, Lorde, acaba de crear con Melodrama.

Cuando empieza la primera canción del disco es muy evidente lo que Lorde crea: un disco de alto tempo y sonoramente optimista, escondiendo letra pesimista y triste con vocales heterodoxos que crean la ilusión que el disco es una canción de 41 minutos.

En su primer disco, Pure Heroine, logró la glorificación de la vida en los suburbios; con Melodrama, se ve la primera etapa de madurez de adolescencia a la adultez y todo lo trae consigo: decepción, independencia de la familia, conflicto entre amistades y el tan doloroso “heartbreak”.

Bienvenido a la adultez, Lorde, te agradecemos por contarnos tus penas; Valió la espera.

 

10. Daniel Caesar: Freudian

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En una época donde el R&B suena más y más al hip hop (especialmente al trap) o se va completamente comercial y suena pop, el canadiense Daniel Caesar nos brinda su debut como cantante con Freudian. En su entrevista en Beats1 radio, Caesar describe su música como “tratar de vivir su propio destino de héroe”, y el disco claramente lo demuestra.

Desamores, sentido de pertenencia, aceptar tu soledad y la búsqueda de la felicidad son varios de los temas que Caesar toca en el transcurso de Freudian, cual no es un misterio por que eligió ese nombre para el proyecto.

Este disco me volvió adicto a él fácilmente: es moderno, suena moderno, a la vez vuelve a las raíces del R&B de los 90’s con toques que recuerdan a D’Angelo, R.Kelly, Boyz 2 Men, tiene raíces con la música Gospel con la forma que las voces se complementan con la suya, y escribe el disco como un rapero con esa letra introspectiva y con capaz que alimentan la composición de este disco.

Si esto fue su debut, hay que estar listo para lo que seguirá en el resto de su carrera.

 

 

9. Migos: Culture

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Justo cuando el trap estaba en el “underground” y jóvenes productores como Lex Luger, MikeWillMadeIt y Zaytoven estaban rompiendo a la luz del “mainstream”, en el 2013, el lanzamiento de un “mixtape” llamado Young Rich Niggas cambió el genero por completo.

Offset, Takeoff y Quavo rompieron toda expectativa de como hacer trap, rapeando sus rimas con el afamado “triplet”, terceto o stanza de tres linea, con un giro: los 3 raperos se dividían las lineas que iban a decir, como si fuera una opera donde todo actor tiene que aprenderse cuando termina la parte de cada uno de los que forman parte de ella, sin forzar el “delivery” de cada palabra.

Después de 4 años siendo fuerzas de “featurings” con otros artistas, el trío creo Culture, cual recibió su momento de gloria cuando la cultura de Internet empezó a crear memes con el sencillo principal del disco (“Bad and Boujee”), lo que ayudo a que se convirtiera en la canción numero en los Billboard Hot 100.

Si se dijera que solo tienen una canción buena, pero Migos crearon un disco que durara años y la gente seguirá usándolo en playlist: “Culture”, “T-Shirt”, “Slippery” con Gucci Mane, “Kelly Price” con Travis Scott y “Deadz” con 2 Chainz son algunos de los sencillos que explotaron a la luz popular y postularon a los Migos como una estampa de la cultura Pop moderna.

Más que merecida esta victoria para los trillizos que pegaron el triplete.

 

8. Residente: Residente

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10 años de gloria para la banda puertorriqueña, Calle 13, recaudando un sin número de Grammy Latinos, Grammy’s, y premios a nivel internacional, encabezadas por el controversial rapero Rene Perez (Residente) llegaron a su final con su ultimo lanzamiento, Multi-Viral. Después de una conversación con su primo, Lin Manuel Miranda, Residente toma un examen genealógico para ver de donde sale su descendencia. Ahí comienza la creación de su primer disco como solista.

Residente nos lleva en un viaje psicodélico sonoro con instrumentales y grabaciones de todos los países que aparecieron en su prueba de genética, y cada país que visitó, recibió un tema en específico. El álbum empieza en Tuva (“Soy Anormal”), pasa por Africa(“Dagomba de Tamale”, “La Sombra” y “Milo”), graba vocales en China con órganos en Londres para crear el lado humanista del fin del mundo (“Apocalíptico”), une artistas de dos países en guerra civil, Osetia y Georgia, para crear una canción sobre las causas y lo débil de los conflictos (“Guerra”) y termina en donde todo empezó para Residente, en Puerto Rico, para un humilde tributo al boricua (“Hijos de Cañaveral”).

Si este álbum no confirma el valor artístico de Residente, no sé que más necesitas para convencerte.

 

7. Joey Bada$$: All Amerikkkan Bada$$

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El joven de Brooklyn, Joey Bada$$, siempre ha sido una de las voces más prominentes en el rap sobre conciencia social, anti política, critica al sistema y todo lo que va en esa linea cultural, pero con el disco de All Amerikkan Bada$$, Joey llego a su frustración mayor con la sociedad americana. La llegada de la presidencia de Donald Trump, Neo-Nazi’s protestando minorías en la calle, resistencia contra personas de color exigir sus derechos y censura de la libre expresión siendo de las situaciones problemáticas del 2017, Joey volvió a cobrar vida creativa y decide tirar su disco más versátil y conceptual hasta ahora en su carrera.

Se nota que Joey esta llegando su pico creativo/artístico, usando armonías en sus canciones, como vimos en el sencillo principal, Devastated. Con “For My People”, “Temptation” y “Land of The Free”, Joey encuentra sus disgustos con la sociedad moderna de manera optimista de que todo puede cambiar; con “Rockaby Baby” con Schoolboy Q, “Babylon” con Chronixx y “Super Predator” con Styles P, Joey ve como su optimismo desciende y ve la fealdad del ambiente que lo rodea.

Sin duda, Joey Bada$$ es uno de los mejores jóvenes en la música hoy en día, y con proyectos como este, también lo hace una de las voces más necesarias.

 

6. Khalid: American Teen

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Seamos sincero: ser un joven es lo mejor de la vida. No hay responsabilidades, experimentas con tus decisiones que serán factores en tu vida adulta, no hay mucha consecuencia en tus acciones y esos buenos ratos con tus amigos. Khalid detallo tan perfectamente este sentimiento que no es sorpresa por la que este disco termino siendo el éxito que fue.

Con un screenshot de Kendall Jenner, millones de personas descubrieron este joven cantante del El Paso, Texas, con un disco low-budget y se convirtió en la joya del 2017.

Khalid es el prototipo artista joven que se vuelve viral con temas que jóvenes sienten en el alma: “Location” para recordar esas misiones amorosas, “American Teen” y “Young, Dumb and Broke” para celebrar la juventud que nunca terminara, “Let’s Go” para reforzar ese espíritu rebelde juvenil, y “Saved” y “Hopeless” para llorar con esos desamores que tuvimos.

Con una voz profunda (algo así como Sampha), actitud upbeat, y un buen lápiz, Khalid pude lograr sus sueños más deseados: vivir como artista famoso, hacer un disco grande y recibir nominaciones a los Grammy’s.

Como diría el gran Ali:”Rumble, young man, Rumble.”

5. Gorillaz: Humanz

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2016 termina: el jefe racista de Miss Universe es el líder de la nación más poderosa, racismo en otro punto alto, la linea entre la verdad y lo falso en el periodismo parece que desapareció, la izquierda y la derecha son igualmente indiferente con las necesidades de ambos y rumores de guerras mundiales se aproximan. ¿Qué se hará al respecto?

Sencillo: tirar la fiesta del fin del mundo más espectacular del planeta (mala mía, Flat Earth Society). Después de 7 años de ausencia luego de uno de sus proyectos menos favorables entre fanáticos, The Fall, Humanz suena como un mal necesario. Reúne a uno de los grupos artísticos más variados y completos en mucho tiempo, desde Vince Staples, Popcaan, Anthony Hamilton, DRAM, Pusha T, Kali Uchis hasta el nuevo genio del avant-garde, Benjamin Clementine, para crear un “soundtrack” del sentir de que todo está perdido y no hay nada que podemos hacer para salvarlo so vamos a pasarla bien antes de que esto explote.

Pero el album toma un giro serio y sentimental cuando tocan canciones como “Busted and Blue” y “Hallelujah Money”, donde demuestra que hasta en un disco tan juvenil, la banda puede hacer su trademark: canciones de crítica social, construida en capaz que cada vez que las escuches descubres algo nuevo.

Los Gorillaz están de vuelta y más revoltosos que nunca.

 

4. Vince Staples: Big Fish Theory

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Escuchar a Vince Staples hablar siempre es una de mis experiencias favoritas en Youtube: es una perfecta mezcla entre hablar la verdad con decir tu opinión sin perder la relación de una con la otra, a la vez siento un comediante increíble naturalmente sin sonar como un pedante al hablar. Con discos como Stolen Youth y Hell Can Wait, Vince demuestra que vio cosas que no todo el mundo ha visto y que su destreza como “emcee” es demasiado superior para su edad. Con Summertime ’06, Vince demostró que puede hacer trabajos que críticos nombran en la misma conversación que los Kendrick Lamar’s, Drake’s y Kanye West’s.

Con Big Fish Theory, Staples le dijo a los críticos:”No me importan tus criticas”. Usando producción de género electrónica retro que los primeros artistas de hip hop “gangsta” usaron en los 80’s, Vince Staples nos lleva a dos terrenos complejos: 1) su comunidad, como ella reacciona a ver que uno de los suyos es famoso y como cambia el trato hacia su persona y 2) su mente, como ella analiza todo lo que pasa en su alrededor, no solo en su comunidad pero en el mundo a través de sus lentes.

Big Fish Theory hace excelente trabajo de esconder letra profunda, nihilista y brillante por debajo de instrumentales que para el fanático de hip hop común sonarán un poco difícil de digerir y apreciar; una metáfora de como es la realidad que nos rodea.

Vince Staples debería ser uno de los primeros nombres que tu menciones cuando hables de mejores artistas jóvenes en la industria, y si no lo has hecho, por favor: escucha Big Fish Theory.

 

3. Jay-Z: 4:44

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Todos crecimos viendo la figura de Jay-Z como algo mítico; ya ni era el rapero, sino algo más grande como un casi político en nuestra sociedad moderna. Pintando la historia clásica del “Rags to Riches”, Jay-Z se convirtió en el modelo oficial del famoso “venimos desde abajo y ahora estamos aquí”. En su álbum numero 13, Jay-Z nos pide que hagamos una cosa:

Matar a Jay-Z.

Shawn Carter se quita su mascara de Jay-Z por primera vez en casi 30 años de carrera para darnos su proyecto más introspectivo y sincero de su carrera, literalmente empezando el disco con una conversación con Jay-Z llamada “Kill Jay-Z”, que en menos de dos minutos, aclara todo rumor que ha salido en su carrera: su infidelidad con Beyoncé, su situación con Kanye, su problema con Lance “Un” Rivera, todas las malas decisiones que trato de tapar como “just business”, creando la atmósfera para el resto del proyecto.

Con la dirección de No I.D, cada canción es una historia aparte:

Story of OJ” demuestra la realidad de la cultura americana, de que no importa que estatus social logres, después que tengas piel de color, seguirás siendo un negro más. “Smile” es una confesión de la relación cercana con su madre; “Caught Their Eyes” habla del sentimiento de paranoia de una persona como él subiendo la escalera social; “4:44” básicamente es el punto alto del disco, donde Jay-Z admite ser un hombre terrible teniendo una increíble mujer seguido por “Family Feud”, donde recalca lo importante de madurez y unión sin importar lo difícil que sea la marea en una familia.

Shawn Carter necesitaba este disco en su vida. Ya llegando a los 50 y una carrera de calibre “hall of fame”, Jay-Z necesitaba crear un disco donde le enseñara el juego a los jóvenes, especialmente en los de su comunidad: enseñar sus errores sin miedo, sus triunfos, sus sueños y pesadillas, incluyendo consejos de como sobrevivir en una sociedad que no quiere verte ganar.

Se nota que Beyoncé fue la productora ejecutiva de este proyecto por que este es el disco más Beyoncé que Jay-Z pudo hacer a este nivel en su carrera.

 

2. SZA: CTRL

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“Yo estoy escuchando su música y ella esta cantando pero la manera que construye su letra y escribe es como si fuera una rapera; ahí me di cuenta que había algo…”

– Terrence “Punch” Henderson

Hace un año, SZA “tuiteo” que se quería quitar de la música por que el productor Punch no la dejaba soltar su disco. En las palabras de Punch:”Ella a veces hace algo que todo el mundo dice que es lo mejor y después ella dice que no, que no suena bueno”. Después de tanta espera, SZA brindó su debut con CTRL, una mezcla perfecta entre canciones lentas con harmonías vocales potentes y poderosas que llegan al corazón y se quedan dando vueltas en tu cabeza, mucho después de escucharlo.

SZA empezó en el colectivo de TDE como la muchacha que ayudaba a vender mercancía en los shows de Kendrick Lamar, y luego que Punch escucho grabaciones de ella en el iPod de su amiga, se convirtió en la voz femenina principal de la compañía. Muchas colaboraciones con los muchachos del grupo, en especial con Isaiah Rashad en ambos de sus proyectos, poco a poco se empezó a ver la furia de SZA al borde de conquistar la industria.

Entramos a Ctrl: una obra en la que SZA puede bandear entre varios géneros musicales sin que el que esta escuchando se de cuenta. Hablando de temas como amor, libertad, sexo, destino y felicidad, SZA encuentra su independencia espiritual, dejando atrás el pasado de un ex que la hizo ser insegura de su propio potencial (“Supermodel”, “Drew Barrymore”), tirarse la misión para tener ese sexo que deseas (“Love Galore” con Travis Scott, “Doves in the Wind” con Kendrick Lamar), ser inmadura y no ver lo que el futuro puede ofrecer(“Prom”), ser la “chilla” de alguien (“The Weekend”) y encontrar tu misión en la vida, lo que tu destino es realmente y encontrar tu felicidad (“20-something”).

SZA merece estar en ese “spot” de cantantes increíbles de esta generación, so la próxima que menciones Beyoncé, Rihanna, Alicia Keys, Lady Gaga, Jhene Aiko, Lorde, etc, y no menciones a SZA, por favor te recomiendo que hagas una cosa: pide perdón.

 

1. Kendrick Lamar: DAMN.

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Ya no debe ser raro ver el nombre Kendrick Lamar en las listas de mejores discos del año: es un artista uno en cada generación, especialmente en el hip hop en la época más creativa en su historia. Con Section.80, Kendrick demostró la verdad bella y oscura de su generación; en Good Kid, M.a.a.d City, nos cuenta una historia de una noche loca en su barrio natal de Compton; al lanzar To Pimp a Butterfly, Kendrick hace su álbum más completo musicalmente, hablando directamente a la comunidad afroamericana, tratando de inspirarla y a la vez, mostrándole a “white America” la manera de cooperar en la lucha por igualdad social.

La pregunta que queda es:¿Qué más puede hablar Kendrick ahora?

Kendrick habló de lo que era importante hablar: de él mismo.

El termino “dualidad” significa “la existencia de dos personalidades o características distintas en una sola persona/cosa”. Kendrick Lamar lo había demostrado en pequeños destellos en cada disco pero en DAMN., Lamar siente la responsabilidad de hablar de la salud mental de un hombre afroamericano, un tema que ha sido un tabú y delicado por tanto tiempo.

El disco empieza con una historia de Kendrick viendo a alguien a quien consola, que al parecer perdió a alguien, confesando que perdió su vida (la de el mismo). De ahí, nos lleva a un recorrido de que compone su dualidad (“DNA”, “ELEMENT.”), abrir todos los sentimientos y emociones escondidas (“FEEL.”), amor y lealtad a la única mujer que ha tenido (“LOVE.” con Zacari, “LOYALTY.” con Rihanna), su relación con Dios (“GOD.”) y sus miedos y paranoia causa de sus decisiones (“FEAR.”, “XXX” con U2).

El disco termina con una curiosa historia que confirma la teoría de que el álbum fue creado de tal manera que se puede escuchar de la 1 a la 14 o de la 14 a la 1, y cuenta una historia diferente. La canción llamada DUCKWORTH. enseña una curiosa historia: de como su jefe, Top Dawg, y su papá se conocieron por pura coincidencia y como la decisión que ambos hicieron al conocerse escribieron el posible camino de la vida de un joven Kendrick Lamar.

Una obra maestra.

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